水彩毕业创作心得和艺术观点
现代水彩画创作是作者感性与理性相综合的产物。古往今来,水彩画在不同的历史文化背景下所呈现出的视觉审美是不同的,但在艺术创作中所体现出的人文精神是大体一致的。文章试图探究在水彩创作中所蕴含的艺术精神,并为水彩创作理论构建学术平台.下面小编就和大家分享水彩毕业创作心得和艺术观点，来欣赏一下吧,希望能够帮到你们.
水彩毕业创作心得和艺术观点1
油画工具材料的限定导致油画绘制技法的复杂性。几个世纪以来，艺术家在实践中创造了多种油画技法，使油画材料发挥出充分的表现效果。油画技法的作用在于将各项造型因素综合地或侧重单项地体现出来，油画材料的性能充分提供了在二度的平面 底子上运用油画技法的可能。油画的制作过程就是艺术家自觉地熟练地驾驭油画材料、选择并运用可以表达艺术思想、形成艺术形象的技法的创造过程。由此可见技法是非常重要的，他决定了我的作品最后的效果。在此，我借鉴了古典画法的一个规律：暗部的色彩要平整，几乎是平涂，而且施色要薄。而亮部的色彩和笔触可以乱些，厚些。其实这实际上是很合付自然规律的，我们在亮部看到更多的细节。细节在现实中是机理，在画中是笔触。所以亮部的细节刻画成为我技法上探索的主要目标。
我以我画面中刻画的老人头发为例，来讲述这次创作技法的探索。那一组头发，要随形，不要太多的块面。几丝头发;飘落在脸上的，首先要先画好脸上的阴影，阴影一定要柔和，以脱出头发的零散与随意。然后用旧的、只剩下一部分毛的长毛水粉笔，一遍自然地甩画出那几根头发，在画中，画笔上的几根毛，就是对象的那几根头发。一块小面积的头发花了不少的时间推敲，开始画时我是很小心和拘谨的，导致头发画的很像假发一样，而且没有头发的质感。后来在老师的鼓励下，我大胆的尝试，才有所突破。画画就像我们的人生一样，要敢于冒险，敢于尝试，这样才会有突破，画面和人生才会更精彩!同时多种工具的使用我也充分的尝试了，也是这次创作中不小的收获。作画时层层色彩的交融达到的意外效果，让我惊喜万分!让我感受到了作画时带给我的无限乐趣。
水彩毕业创作心得和艺术观点2
毕业的日子即将到来，经过几个月的奋战，毕业设计的创作也逐渐接近了尾声，毕业设计不仅仅是对自己大学四年所学知识的一次检验，也提高了自己的能力，在实践过程中使我了解到自己在专业方面的不足之处，今后该加强的方面，让我明白自己该学习的东西还有很多。
我学的是动画专业3D方面，创作中主要负责建模、材质、灯光渲染以及后期制作工作等，在剧本与各项设定确定好之后，首要工作是建模，建模用的软件是三维动画软件3D-max,由于时间有些紧迫，这就要求建模的过程中既要注重质量又要求有速度，在建模时严格遵守对齐原则，对齐有捕捉对齐以及用对齐工具两种，在建模的时候为了提高速度必须熟练应用它的快捷键还有一个视窗操作，之所以要用一个视窗操作，一方面是为了节省眼睛，另一方面由于一个视窗显示的图形大，在操作时也不易出错，这样可以在无形中提高很多速度。建模过程中我的基础有了进一步的提高，操作也更加熟练。在建好模型之后，就是画材质上贴图的工作，由于模型并不复杂，画材质的时候并没有遇上很大的困难，于是顺利地完成了建模贴图这项初期工作。
大部分人在创建3D短片的时候往往注重于建造精细的模型，画出华丽的贴图。但是却忽视环境灯光以及摄像机。以至于做出了短片，人物在场景中总是差强人意，其实环境灯光是很重要的一环，它可以让创造出的角色在动画中富有真实感，生动感。在短片中运用的是最基本的三点照明法，它是3D用光中一种非常实用的基本方法，可以适用于许多场景和各个领域，是一种使用三个光源的方法：主光源、环境光以及背景光。在三维动画软件3D max中可以运用它打光，它一共分成四个步骤：1、首先载入场景，确定场景中没有其他的光源，在添加首盏灯光的过程中不能有其他光源的存在。2、添加主光源，主光源是你场景中的主要照明光源，在短片中也就是阳光，建立了一个聚光灯作为主要光源，它要亮于任何正面照射物体的光源，它是场景中阴影的主要产生来源，高光也由它产生。3、添加环境光，环境光的作用在于对主光源的照明区域进行延伸，提高物体的亮度，并加强物体的阴影，它是场景中的第二光源，在场景中可以添加数盏环境光，在场景中我使用聚光灯配合点光源并使用主光源的一半亮度作为环境光，让它照明主光源照不到的地方并提亮物体。在添加环境光的时候要谨记环境光亮度的总和不能超过主光源。4、在做完以上几点后最后要添加的就是背景光了，它的作用主要在于让物体从背景中分离出来，将它创建于物体的顶部或边缘，亮度可以任意调整。添加完这三种灯光，便完成了打灯光的过程，这种方法较于实用，大部分的场景都适用。短片的开头与结尾的场景以及大部分中间场景便是运用它，而在战斗的场景中由于有时候动作里是场景移动而不是人移动，
水彩毕业创作心得和艺术观点3
每个人都有自己的童年。童年，是一幅迷人的画，勾勒出我多少动人有趣的故事;童年，是一首婉转悠扬的短笛，奏出了我多少纯洁美好的幻想;童年，是一束绚丽的茉莉，儿时的欢笑像茉莉散发出的醉人的芳香，朵朵洁白的花瓣就仿佛是一件件回忆。童年是快乐的，童年的感觉是美好的，童年的回忆是陈旧的。
我的童年就是在农村长大的。农村长大的我，小时候总有无穷的乐趣：田野，土房，小伙伴，过年等等历历在目。童年里发生的趣事像天上的星星一样多得数不清。其中最亮最耀眼的还是我的奶奶和过年时对我的映像最为深刻。说起这农村的新年，那习俗可多了，吃年夜饭，请门神，贴对联，祭祖，放烟花，习俗多得数也数不清。我的童年是我最快乐的时光。是我生命的第一个阶梯，成长进步的第一个脚印，未来旅途的第一个站点。爱因斯坦说：“我们所经历的最美好的事情，它是所有真正的艺术和科学的源泉。”童年的快乐回忆正是我艺术创作的源泉，他影响着我的艺术创作思路。
一：选题
小时候的我对奶奶和过年的影响特别的深刻，一直就想画一幅表达奶奶爱和新年的作品。只是因为技法有限，一直未敢尝试。所以进入大学之后我很认真的学习专业知识，希望在艺术和技法上可以更上一层楼。别人说妈妈的爱是无私的，伟大的，而奶奶的爱却是温暖的，奉献的。每每想起奶奶，小时候的往事便历历在目。我时常梦见奶奶和我的童年，梦见奶奶轻轻地牵着我的小手，呢喃着我的乳名……奶奶啊，您可知道吗?您永远活在我的记忆中，活在我的心里啊!
所以我毅然的决定以奶奶和传统的中国农村过年为这次创作题材，但是，奶奶去世都那么多年了，而且，奶奶生前是很少拍照片的，那怎么办呢?这个难题顿时让我一筹莫展。这个时候邓老师的一句话给了我很大的帮助，她说：“艺术形象它凝聚着艺术家的审美理想和审美情趣，闪耀着艺术创造的光辉，能给欣赏者以美得享受。”是呀!绘画并不是摄影的替代，摄影师留住美丽，而绘画是加工美丽，一张绘画作品或多或少的凝聚了创作者的想法和观点。俗话说：“艺术来源于生活，高于生活。”既然没有艺术形象就自己从生活中去挖掘形象，创造形象。正如英国的一句名言：“画家和诗人都是允许撒谎的。”这个时候我想到了自己曾经获奖的一张人物摄影作品，表达的主题正是祖孙情。正好可以用来作为这次创作的参考。照片拿给了邓老师看了，老师告诉我一定要处理好艺术创作和摄影照片的问题，以及构图技法等方面的问题。在老师的提醒下我上网看了很多有关绘画和摄影以及艺术概论构图等的知识，老师的帮助让我受益匪浅!
二：构图的探索
确定好了题材。在油画创作中首先涉及的就是构图的问题，构图在中国画中，传统的提法是“布局”、“经营位置”、以及“章法”等。野兽派画家马蒂斯是这样谈论构图的：“构图就是画家为了表达自己的感受把各种不同的因素用装饰的方法按照画家的意图安排的艺术。”的确，构图就是指画家在有限平面里，对自己所要表现的形象进行组织和安排，形成整个平面或空间的特定结构。通过这样的艺术加工和构成，取得恰如其分的艺术效果，使画面更加生动有说服力，以实现艺术家的表现意图。构图如此的重要，我一定要多花些时间来研究。 那么我该怎样来布局我画面中的人物主人公呢?这时，我想起了中学阶段学过的黄金分割比例。我尝试性的把黄金分割运用到我的构图中来。在老师的指导下我的构图问题很快就迎刃而解。黄金分割也叫斐波纳契比例，这个规律由莱昂纳多·斐波纳契在公元1200年左右发现。他注意到自然界中大量出现了1:0.618这个比例，以此为基础的自然结构设计即实用又美观。
所以我按比例把画布的大小等比例缩小到拷贝纸上面，接着算出画面的黄金分割点位置，标出黄金分割线，中线。把主要人物老奶奶头部安排的黄金分割的区域。一般人物朝向的位置画面要空旷，显得画面不闷。所以老奶奶朝向的视觉区域在画面中要开阔些。
水彩毕业创作心得和艺术观点4
近些年，水彩画正在从小画种的行列向架上艺术越来越稳的发展。水彩画多元化的发展激发了许多年轻画家的创作激情与欲望。伴随着水彩画发展趋势逐渐壮大的过程中，水彩风景画仍然占有着重要的地位。
水彩风景画写生本身难度就很大，特别是对于西北地区风沙大、干旱少雨，一年当中大部分时间气候都特别寒冷干燥，所以很多画家采取水彩风景画的室内创作。我从中获得的一些心得体会愿。
一、师法自然——加强水彩风景速写的训练
(1)水彩风景速写是沟通生活和创作的最好桥梁。艺术创作源于生活，这是颠扑不破的真理。艺术大师罗丹曾深有感受的说过：“无疑的，一个庸人在抄录自然的时候，永不能产生一件艺术作品，因为实际上他“视而不见”故他徒然描画种.种琐屑之处。结果是平板呆滞，没有生命……反之，一个艺人“时而有所见”，故他的慧眼能深深洞察到自然的奥秘。”
(2)水彩风景速写是提高水彩画技艺水平的有效途径。技艺，技艺，技的目的是艺。艺常新，技无穷，但起码要学到中、西两方面的基本技术。而水彩画技艺的要旨在于“千锤百炼”、“熟能生巧”，在于对技法中“水分”、“时间”、“色彩”三大要素的驾权与把握，在于怎样做好“减法”，而求得洗练、精到的表现。
(3)水彩风景速写是锻炼色彩感觉、提高捕捉色彩、表现色彩能力的重要手段。“彩”是水彩画的魅力所在，要想得到它，就需要要大量的画水彩速写，特别是多画小风景速写，它能使你学会把握色光、空间、调子的无穷变化，感悟大自然色彩美的魅力，从而画出真实而生动的色彩关系。而长期的关在画室里，必然使你的色彩迟钝，色彩就必然画的虚假、单调、生涩、概念。其实大量的色彩本身是无能为力的，只有他们被组织好，其强度符合画家的情感强度时，才获得自己充分的表现力。
二、水与彩的交融—探索湿画法的训练
吴冠中曾说过，“水彩，水、彩，其特点就在水和彩，不发挥水的长处，它不上油画和粉画的表现力强;不发挥彩的特点，比之水墨画神韵又见逊色，但它妙在水和彩的结合”。我总认为：水彩画一旦失去了它淋漓、透明、清新的特点，也就失去了水彩这一画种特有的魅力。湿画法很难控制水色流动所产生的水色交融，水色交融是在湿画法中湿画而成，技法性高，很难控制和掌握所要预想的效果，失败常常多于成功。因此我对水彩风景画绘制的步骤总结如下：
我选用霍多夫190克中粗纹理的水彩画纸，用2B铅笔起稿。铅笔稿力求准确、肯定，以少擦改为好。画面中如有留白的地方可以用留白液进行覆盖。
铅笔稿起好后，将水彩纸正反湿透，平摊在玻璃板上，用板刷将画纸与玻璃间的气泡赶走，此时的画纸既湿润又平整，可趁湿将大的基本色调画出。水彩画要做到下笔稳、准、狠，因为水彩画不易修改，且干后颜色易变浅变灰。因此画的颜色要比预想的深一些，至上而下，一气呵成，第一遍颜色要大胆放松。
将上色画稿裱在画板上，进行进一步的刻画。在深入刻画时要保留住初时的特殊效果。在风景画中第一遍颜色尤为重要，成功与否有很大的关系，后面的刻画主要是为了补充和完善第一遍色中的不足和过分之处。
对于技术，正如罗丹所言：“轻视技法的艺术家，是永远不会达到目的、体现思想感情的——这样的艺术家就像一个忘记给马喂草的骑马人。”我做为一个年轻的学者，深知水彩画是一个技艺性很强，技术难度较高，难以驾駩的画种。于是熟练的掌握水彩画的技能技法是至关重要的。现在的美术界出了很多技法方面的书，有些人抛弃根本一味的追求一些新奇的技法。其实绘画的技法不是其目的，它是为了表现内容服务的。画家只有熟练的掌握了绘画技法才能随心所欲的表达自己的真实感受。一个画家只有做到了有手艺和功力才能像中国绘画那样“外师造化，中得心源”。
三、抒发真情实感——营造情调
风景画要有情调，表现一定的意境，要求作者对所描绘的对象具有真实的感情和表现的激情。凡是感染人的情调，都是作者真情实感的体现，感情从实践中产生的，要熟悉和热爱生活，从平凡的生活中发现情趣和新意，并将抽象的感受找到形象和色彩的依据，使之具体化、形象化、从触景生情转化为融景于情、借景抒情，进而使画面寓情于景、情景交融，达到诗情画意的境界。
艺术之路没有捷径可以走。
每次想偷懒拿来一张拍好的片子便开始勾线然后准备填色，和小时候玩的色彩游戏一样，可是想法一刚开始萌生就被打回现实。一幅好的作品，不是客观物象机械的翻版，不是依靠照片画，画完了还像照片。而是站在审美高度，对所画物象做出的独特的判断，强化了所画物象的精神品格，表象了人化的自然。
对于每一张水彩风景画创作，我都会精心的去设计。意在笔先，大胆取舍，在构思尚未成熟周全之前，不宜轻易动笔。作品所追求的趣味，形式，以及作画过程中哪些地方要实，哪些地方要需，哪处先画，哪处后画，画面中的画眼如何能做到点睛之笔，均需打好腹稿。这就要求我们作画开始时就要预料到作品完成后的后果。绝不能仓促上阵显得脚忙手乱不可收拾。艺术之路没有捷径可以走。怀斯认为，一个人的艺术的境界与深度是和他对事物的恋爱程度有深厚的关系的。作为年轻一代的我们，对水彩画创作应该树立这样的思想观念：第一，深入生活，面向自然，只有亲身感触丰富多彩的世界，才能有感而发，作品方能打动读者。第二，水彩画家必须要从重技轻艺的思想中解放出来。一些水彩画对于水色交融的迷恋疏于读书，不想事，痴于“技法”，只顾作画面的“效果”。创作出的美术效果很容易游离于整个美术思潮之外。因此，当务之急就是要加强我们水彩画的文化修养，强化水彩画的思想内涵。共同努力创作出具有民族特色的水彩画。
水彩毕业创作心得和艺术观点5
水彩画起源于西方,并于一个多世纪前随传教士的布道而传入中国。在东方的文化背景熏陶下,将西方绘画写实技巧与东方传统文化审美精神相融合,形成了富有东方韵味的水彩画。我们在感悟水彩画独特魅力的同时,也应该厘清水彩创作过程中所包含的人文艺术精神。
一、科学精神
科学精神最早诞生于欧洲文艺复兴时期,与人文精神一道构成了人类文化的双翼。本世纪初在北京中国美术馆开幕的“艺术与科学国际作品展”,诺贝尔奖获得者、物理学家李政道教授的作品《物之道》和我国著名艺术大师吴冠中先生的作品《生之欲》左右对称地摆放在展馆门口。李政道教授经过长期研究发现,艺术,特别是绘画艺术,能激发人们的创作情感,更能预示科学的内容;科学则在追求和表达真理普遍性的同时,更具有丰富的艺术内涵。吴冠中先生长期探索用点、线、面等画面元素来构成画面。众所周知,自然界中众多极复杂的事物是由最单纯和最简单的因素构成,这也就是科学与艺术之间的融合。隶属于人文学科的水彩画,是人类最早的艺术形式之一,不论是公认的水彩画的开山始祖丢勒,还是英国水彩大师透纳,或是近代的怀斯,这些艺术巨匠们都是以宗教虔诚般的态度来感悟和表现千姿百态的外在世界和敏感丰富的内心宇宙。因此可以这样认为,水彩艺术作为艺术的一个分支,它中间蕴含着科学的精神,以科学的视角诠释着世界。它与科学的共同基础是人类的创造力,其追求的目标是真理的普遍性。
二、求真精神
水彩是很有效的绘画工具(水粉、丙烯可视作不透明水彩范畴)。写实主义水彩能快捷、真实地反映对象的色彩、形状、结构、体积等要素。当代水彩画家在研究、发掘、描绘自己的创作对象时是一种对“真”的不渝的追求过程,因为只有有了“真”,才谈得上“美”,没有人会认为虚假的东西是美的。得到人们欣赏的美的事物,必然也是建立在“真”的基础之上的。
艺术的真实不同于自然的真实。生活应当被视作是艺术创作的源泉,真实的生活反映真实的画面。这里的“真”还包括作者的真情实感。作为美国20世纪最伟大的画家之一,当代美国最杰出的怀乡写实主义绘画大师安德鲁・怀斯,他一生几乎都未离开过他的故乡宾夕法尼亚的缅因州。“他善于用深而透明的水色来处理景物的暗部,笔触爽快,细而不腻,善以光影表现形体,画面略有岁月流逝的悲凉之感。”①如他最为著名的《克里斯蒂娜的世界》一画中,一个患小儿麻痹症的女孩蜷缩在地上,远望着前方的地平线。远处的世界可能对她充满了诱惑,但她无能为力。一大片草地和远处的木屋(克里斯蒂娜的家)的刻画是精细入微、栩栩如生的。怀斯以敏锐的感触,精致的写实技巧,捕捉到视觉的一瞬,并与心理的想象联结,用至高沉默的态度表达了对人生的礼赞。
三、实践精神
艺术源于生活。古人学画提出要“师造化”,中国艺术家自古都注重写生的传统,不论是李思训、吴道子畅游嘉陵挥写长江山水,还是黄荃、赵昌的花鸟粉本,无一不是从写生中来。绘画大师凡・高曾经深有感触地说过:“那种永远立于不败之地最稳妥的方法是不知疲倦地临摹大自然。”画水彩速写无疑是“临摹大自然”的最便捷的方法,它使你更深刻地感悟自然,使你在创作中“能写真景物、真感情”,从而进入“真境界”。②吴冠中先生也曾经说过:“艺术归根到底还是诞生于生活,有感而发,有所爱而画,画被感情催发……”③当时的水彩画家们在大自然中直接观察,直接表现,画面上洋溢着作者面对生活、对景写生才能产生的新鲜感和灵动的气韵。与生活坦诚相待,真诚地接受生活的启示。透纳、康斯太布尔等都是水彩写生大师,他们笔下的风景无不显示出对生命对自然的礼赞……著名水彩画家黄铁山先生对当前中国水彩画有六大不良感觉,其中一点是“假”。他认为目前有些水彩作品中缺少真情实感,没有作者在生活中独特的体验和感受,只有偶然的冷漠的照片翻版或是对经典作品的转换模仿……因此,形象越画越空,色彩越画越假,怎会不给人以看“假面舞会”之感呢?反观作为西方水彩画代表和典范的英国水彩,就是以对景写生为契机的。
四、创新精神
水彩画若想在艺术创作中推陈出新,就要在技术和艺术创造性上下功夫,其艺术思维应从画面上拓展开来,从视觉审美、材料的研究上拓展开来,用创造性的思维去审视纷繁复杂的大千世界。
“创新的动力是新的思想感情,创新的基础是丰富的生活体验与深厚的艺术修养。”④创新要在当代语境下进行创新思维模式重建。水彩艺术的创新还体现在工具、材料这些物质的更新上,水粉、丹培拉、丙烯、彩色墨水、阿拉伯胶、透明水色以及国画重彩颜料等兄弟画种的材料都可实行“拿来主义”,使得水彩材料更加丰富、新颖。随着时代的发展,科技也不断地创造出新色彩、新材料、新工具、新技法,给艺术家无尽的推动和激励。艺术家因此也面临着更丰富的选择,想象力也获得了更广阔的表现空间。
总之,新的时代给予了艺术家更高的要求和标准,也只有对艺术抱有虔诚的严谨治学态度,才能传承艺术的精髓,肩负起时代所赋予的使命。
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