儿童艺术家读书心得
《艺术的故事》这是一本教人如何欣赏艺术的书。它看起来有4指厚，16开，文字紧凑但阅读舒适，画面精美，非铜版纸，下面就是小编带来的儿童艺术家读书心得，希望能帮助大家!
儿童艺术家读书心得1
一、儿童艺术创作方面有丰富的支持策略。
在学习环境方面，有：布置一个富有吸引力的、固定的艺术区角;提供一系列的丰富多样的工具与材料;提供足够的、方便取放的收藏空间;提供足够的活动空间;展示儿童的艺术作品;让儿童把艺术作品带回家等。在一日生活中：将艺术活动融入儿童一日生活中;为儿童的深度探索(包括对材料和工具和程序的探索)提供时间。在成人与儿童的互动中：重视过程胜于结果;尊重儿童的自主性;倾听儿童对其作品的解释;平衡儿童发起的活动与成人发起的活动等。
在材料提供上建议分为二维媒介和三维媒介。
二维媒介——材料和工具包括绘画类的水彩笔、毛毡笔、蜡笔、粉笔和黑板、木炭条、铅笔、彩色铅笔、油画棒、印泥和印章、电脑绘画程序等;水彩画类，使用三原色白色黑色、水彩颜料、手指印画、液体颜料和皂片、画刷、用来做记号的数字、牙刷、棍棒、羽毛、输液、面前、细绳、瓶盖、橡皮筋、鞋带等;容器类有浅杯、饼干罐、酸奶罐、小碟、桶等;纸张类的有白色画纸、答卷屠夫纸、牛皮纸、各色美术纸、横格纸、方格纸、手绘纸、滤纸、净面或者彩色玻璃纸、报纸、杂志、卡纸、纸板、纸袋、包装纸、礼品纸、薄棉纸、金箔纸、蜡纸、皱纹纸、壁纸小张、纸管、纸盘、硬纸盒、礼品盒、卡片、贺卡、明信片、信笺信封、各种回收的纸张等。
三维媒介——材料和工具包括制模与雕塑，粘土、面团、橡皮泥、湿沙、天然染料、蜜蜡、模具、胶合板纸板、塑料袋、塑料卷等;混合媒介和拼贴画，有各种尺寸和形状的盒子、纸箱、纸板或塑料管、鸡蛋盒、彩带、绳子、织物、鞋带松紧带、扣子金属片珠子、晒衣夹、木头碎片、泡沫塑料碎片、干豆子干面条、棉球、旧袜子长袜、不易打碎的小镜子、木头、棍子、树叶、草、树皮、贝壳、鹅卵石、石头、松果、羽毛、吸管、空线轴等，以及剪裁工具：小刀、剪刀、打孔器;固定工具，浆糊、胶水、胶棒、订书机、尺寸和形状不一的曲别针、透明胶、各种宽度和颜色的作画护条、橡皮筋、纱线和细绳、金属线、用于编制的大头针和线等。
在儿童表达自身的艺术感受时，建议发展一套讨论的语言。让儿童的评论感到安全和放松：让儿童使用简单而又熟悉的语言能够帮助儿童关注自己和他人的艺术作品的质量，简单的描述性语言也能够扩展儿童一般的观察与语言技能，在关于艺术元素的谈话成为日常生活一部分的情况下，可以将一些简单的艺术语言引入谈话。语例如下：
色彩：不仅作品中有色彩、家具、衣服、身体和自然界中都有色彩，可以从多种角度评价色彩的变化与组合，包括色相、纯度、色温、明度、深浅、对比;线条：不仅印刷物、绘画作品、比那只取和其他艺术形式上都有线条，我们的衣服、儿童的积木、墙壁、窗户，以及房间的装饰物上都有线条，如线型、起始、特征、长度、对比等;形状或形式：可以认出一些形状，评论一下不规则的形状，并且描述一下他们之间的关系，比如大小、名称、实心、关系、开合等;彩纸，因为儿童依赖与感官体验，所以他们对不同材质的物理感受十分敏感，艺术作品不仅不同于它真实的物理材质，也不同于他所表现的事务形象的质地效果，可以帮助儿童关注艺术作品的外观形象是如何表现它所描绘的事物的感觉的，例如，外露的还是内因的、硬度、糙度、规则、反光等;空间：在每天的生活世界里，儿童都在形成他们的空间意识，你的评论可以帮助他们形成一套语言，来表达他们所见事物的方位，谈论他们的方位移动。劲儿，你可以帮助儿童运用这些概念来解释艺术家是如何李永和表现空间的，例如：距离、定位、界线、满余等;设计：当儿童能够做计划时，他们开始有意识地或者有设计的来做一些事。你的评论可以帮助他们认识到艺术家也是有计划的，这样艺术家才能将不同的元素纳入作品中，并在这些元素之间形成彼此的联系，例如：对称、重复、交替、变化、夸张等。
二、高宽课程提倡单项深度法。
作者首先批评了一次使用过多材料的艺术教育方法，接着提出了艺术教育中的单项深度法。单项深度法以儿童为中心，而不是以艺术为中心。他重视儿童的艺术探索过程，而不是最终的作品。他主张儿童对一种或这一类艺术材料或媒介进行深度的持续探索，在探索过程中获得各方面的发展，例如学会解决问题、与人交往、形成审美判断等。单项深度法的基本结构与序列为：引入、拓展、创作与反思。
艺术是一种重要的表达途径，儿童可以借助艺术来表达他们的所见所感，以及她们的体验、想想与理解。当儿童开展艺术活动的时候，你会感受到一种积极愉悦的氛围。如果材料变更频繁，儿童便不能了解每一种材料及工具的独特特征，而深度探索的机会会带来高度复杂与惊喜的艺术作品。
引入，儿童首次遇到一种材料或者一个艺术概念，这是一个与爱来、工具和想法逐渐熟悉的过程。引入阶段的长度取决于儿童对材料及其用法的熟悉程度。探索可以多种方式开展——介绍材料本身，餐馆工作是，激发儿童对事物的审美特征、材料的具体特征或者美学概念的兴趣等一系列体验活动。
拓展，是指扩展儿童的兴趣、知识、技能、对材料的审美意识或者对艺术概念的体验的过程。拓展目标是增进儿童对材料及其特征的了解。拓展借助视觉、听觉、动觉与感官刺激进行。儿童对一种媒介的体验可以由多种方式加强——故事、诗歌、谜语、散步、音乐、声音、舞蹈、运动、角色扮演、补充材料和额外的工具等。运用具体经验与直观教具，教师能帮助幼儿饶有兴趣地学习材料的物理起源与历史文化景况。通过与其他领域的发展建立关联，儿童对材料的直接经验也可以得到进一步扩展。
创作，就是制作艺术品，是引入材料、拓展经验之后达到的高潮，是儿童应用所学知识的过程。做什么和如何做的创意有许多来源，创意可能来源于材料本身，也可能来源于媒介以外的经验或目的，将媒介的特性内化之后，儿童转向去表现创意或者执行任务。创作某件东西是一种内在的愿望，对大多数儿童来说，步入创作阶段是他们艺术探索与游戏意图的自然结果。
反思，反思意味着感知、思考、分享、评价每一步行动，教师不断帮助儿童思考他们围绕自己和他人的作品的所见、所做、所感。反思在分享和讨论的情境下是自发的、自然的，教师应在儿童思考艺术时为之创造一个安全的环境，充分尊重和接纳儿童的想法和观点。我们应该了解，反思能力与其他心智技能的发展是联系在一起的，要像儿童能够充分参与回顾活动，这需要时间、经验与成长。
单项深度法认为，引入、拓展、创作和反思是实现更有意义的目标的手段，也就是说，艺术是儿童个人成长与自我表现的一条路径。
高宽课程提倡让孩子具有高度的热情和广泛的兴趣，让儿童主动学习、在活动中学习、在获取关键经验中学习。儿童在成人支持和引导下按照自己的兴趣进行探索是，学习效果最佳，“儿童是主动的学习者”。
《我是儿童艺术家》，结合具体的实例和照片，让我们感受到了高宽课程理念下孩子们关于可回收材料、纸张、粘土、面团等材料的使用与探究，运用了引入、拓展、创作和反思四步法。单项深入法，让幼儿较长时间地开展同一主题活动，并且持续的深入钻研这一主题，这个主题就会充满挑战、发现与冒险。同时这是避免压力、肤浅与分心的一个途径。艺术课程按照这种有品质的发展序列进行的话，儿童就能够获得成长与满足。
儿童艺术家读书心得2
在暑假里学校布置了阅读高宽课程系列丛书并写心得的学习任务，我选择了《我是儿童艺术家》这本书，书中主要阐述了艺术在儿童成长过程中的价值，它是儿童经验的一个重要组成部分。艺术教育对儿童的成长有着促进作用：艺术能够丰富幼儿的生活，艺术创作给孩子们提供了表达自身想法与情感、展示个人体验的机会，可以让孩子们感到满足，并获得乐趣，艺术可以帮助幼儿提升自身认知、语言、想象力、创造力、思考能力等多方面能力的发展。
幼儿园中常常出现这样的情景：老师命题作画，并且配合了优美的范画。其实这也限制了儿童的创造力。本书中通过大量的教育实例和图片，丰富了我的艺术教育经验，对于我理解和学习艺术教育帮助很大。教师应为幼儿创设环境，提供给幼儿充足的机会去探索艺术材料，创作艺术作品，并学会欣赏他人的艺术作品。支持孩子创造性的艺术表现，作为教师具体应该怎么做呢?
首先进行艺术教育教学活动前，教师要明确教学目标，制定相应的教学计划，也要给予孩子时间，让幼儿有机会表达他们的想法和意图，培养儿童的主动性和进取心。教师除了要进行常规的艺术教学活动之外，还要仔细观察幼儿是怎样进行艺术活动、与同伴互动、独立解决问题等方面，从而正面引导，让孩子主动、积极、大胆地表现自我。
其次教师应鼓励幼儿去欣赏、探索与创造艺术，从而加深孩子对环境的理解，丰富生活，获得快乐，展现自我。教师应为幼儿提供操作的机会，不给予孩子强制性的活动目标与内容要求，鼓励幼儿探索新材料，运用各种方法组合材料、进行创作。幼儿可以在课堂或游戏时间里去操作美工材料，可以在自身的发展水平上探索材料和工具，可以不被约束或强迫制作一些作品，从而更直观地表达自己的想法，创造出更多、更新颖的艺术作品。当然，教师应从幼儿的兴趣点出发，在活动室里布置一些艺术作品，将艺术活动融于幼儿的一日生活中，发挥自然环境的教育作用，结合家长资源与社区资源，进一步增加幼儿的艺术体验，以便孩子开拓视野，创作出更多优秀的艺术作品。
最后支持孩子的艺术创作和艺术鉴赏，教师要从学习环境、一日生活、与儿童的互动这几方面下功夫，教师自身要具备一定的艺术教育能力，理解孩子艺术能力的发展，为孩子创造支持性的艺术环境。在活动室里创设专门的美工区，提供丰富、充足、开放性的操作材料，并保证材料的安全与卫生，给予幼儿充足的活动时间，尊重孩子的自主性，多倾听孩子的想法，并将艺术活动融于孩子的一日生活中，把孩子的艺术作品进行展示，给予孩子积极的肯定与鼓励。
教师更要重视孩子在进行艺术表现时的过程，而不是最终的作品，鼓励孩子去享受艺术，让孩子们都能成为“儿童艺术家”。
儿童艺术家读书心得3
《爱的艺术》是打印出来看的，也幸好如此才得以在上面圈圈点点，因为读书的惯性思维不容易看懂作者的西方思维，读第一遍的时候乱了，再读才有点头绪。
最深的感受：要想被爱，先学会如何去爱。不要再觉得爱情的先决条件是能否被爱，其实是能否重视爱的各种因素;不要再认为简单的是爱本身，难的是没有爱的对象，其实所有人都是爱的对象;也不要再将过多的精力放在名利、权力上，那和爱没有关系，爱是一种能力。
爱情有着最为重要的因素和广泛的对象。
1、爱情的因素
我认为全书中最为精辟，个人最能接受和理解之处在于对爱情积极性的解释：给、关心、责任心、尊重、了解。
爱情是积极的，是发自内心的行动，它的第一要素是“给”，“给”不是被别人拿走东西，也不是一种自我牺牲，而是为了体验快乐，他体现生命力的升华。不论是在性范畴还是物质范畴，“给”都能够带来快乐。在人的特殊范畴里，通过“给”，提高的对方的生命感，唤起了某种有生命力的东西，这表现在爱情上，便是用对他人的爱去换取他人对自己的爱。如果双方都能深刻理解爱的积极性，那么这种双方的互动就会带来充满活力而不是被动的爱。如书中指出，克服人的孤独感最有效途径是创造性的劳动，一个人如果缺乏生产性倾向，不信赖自己的力量和达到目的的勇气，那他就怕“给”，也就害怕爱，最终仍会陷入孤独。
爱情是对生命以及我们所爱之物生长的积极的关心。就像上帝所说的，爱的本质是创造和培养。人们认为应该把全部的关心给未来将要出现的爱人，这其实是本末倒置。如作者在博爱中解释：只有当我爱那些与我个人利益无关的人时，我的爱情才开始发展，所有的人呢都应该是平等的。那些藏着内心的热情对周遭表现冷漠等待爱情的人应该开始学习这一点，开始关心周围的人，或许就能培养出美好的爱情。
责任心是我对另一生命表达出来或尚未表达出来的愿望的答复。责任心不是义务而是一种完全主动的思想和行动。经常只有成为了爱情的双方，人们才会表现出精神上的关心。正如大多数人体会到的，我们只是很吝啬地将这种责任心给某一个人而且还可能是未出现的人。
尊重是有能力实事求是地正视对方和认识他独有的个性。不要再臆想将你爱的对象改造成你想象的更好的样子。你因为他是他而爱上他，如果爱他就应该爱他的成长，爱他本来的面目。同时，给予对方自由也要让自己独立，双方相对的独立才会有自由而长久的爱情。
爱情之所以能使人逃避孤独，是因为能认识“人的秘密”，逐渐了解对方，了解对方的深度。在深入对方中，双方找到了自己，发现了自己，也就获得了爱情。
2、爱情的对象
爱情不仅仅是只找到一个爱的对象，所有的人都是爱的对象。学会了爱，就不仅爱一个人，而是其他人和世界。爱情和所有人相关，这可以通过不同形式的爱情体现。
不具独占性的博爱关心尊重所有人，并且所有人都是平等的。要学会博爱就要爱那些需要帮助的人、穷人以及陌生人。在这个过程中，了解和认识会发挥它们的重要作用。
真正有能力爱的母亲的对象是正在成长或者分离阶段的孩子、自己的丈夫以及其他孩子。通过这样的爱，母亲感到自己是一个创造者，并且会满足于这一创造性的劳动而排遣孤独。
性爱也具有独占性，但只表现在性结合这点上，只同一个人完全地、即在灵魂和肉体上融为一体，但不是在更为深刻的博爱的意义上。同时、性爱也包含意志的因素，爱情不仅是一种感情，而且也是一种意志支配的行为。
爱的能力适用于所有人，如果说自爱只是利己，而不爱他人，那么这种爱的能力并不成熟。有能力爱别人的人也一定能爱自己，反过来，利己者没有能力爱别人也就不能爱自己。虽然自爱的对象是自己，但自爱的人有了爱他人的能力，只是这些不同的对象体现在不同的形式中。
神爱的对象经历了漫长的发展到最后只是一种象征，真正爱神的人不是为了得到什么，而是为了一种象征而爱。通过学会爱的能力在内心实现神的人，可以把任何人和事物统一于内心的神。
当然，这本书只是作者个人观点，我觉得还有很多地方可以讨论。
对于神爱的影响，导致东西方思想“宽容和努力改造人自身”和“不宽容、教义和科学，天主教和原子能的发现”的差异，我认为是以偏概全了，一个社会思想和科学的发展不应仅仅只限于某一方面的因素。
作者在最后认为把爱情看作是防止孤独的避风港是西方社会爱情衰亡的形式，与此相左的是第二章着重说明的是爱情是对人类最大的需要——克服孤独感的回应，这又该如何理解?
作者与佛洛依德关于“爱情和性”观点，通俗地说是先恋爱后结婚还是先结婚后恋爱的差异，我认为不是绝对的。在现实生活中，性与爱的先后顺序有着不同的状况。先恋爱后结婚是在了解对方的基础上决定结合。但先结婚后恋爱也未为不可，当双方通过性结合，两性意识到了结合便开始了解对方，他们有克服两者之间的隔离的愿望，直至长久生活在一起，学会去爱对方是可能的。
儿童艺术家读书心得4
接触《艺术的故事》这本书是挺意外的，因为研究生考试开始选的学校参考书目就有这本书。看之前总觉得像在应付考试，细读下来却对这本书有了些许敬意。
《艺术的故事》是贡布里希爵士编著的，书中概括地叙述了从最早的洞窟绘画到20世纪前半叶的实验艺术发展历程。里面的内容很多，绘画、雕塑、建筑均有所涉及。倘若是其它艺术史类的著作，六七百页厚的书籍细看下来多少是需要些勇气的。还好本书通俗易懂，简明晓畅的语言就能表达严肃的题目。在这里若让我概述一下每一个章节多少显得有些不合实际。因此，我更愿意来总结一下诸如“透视的发现和在绘画中的应用”这样一个小的脉络。
“透视”这个词在我们看来并不陌生。甚至我们第一天学习美术画个正方体老师们就会给我们讲透视。可能在今天的人看来，利用透视营造真实的空间显得那么司空见惯，可在这些东西刚被发现时当时的人们该是多么惊愕啊!
《艺术的故事》这本书在3、6、10、12、13章中涉及到过透视问题。我大概有这样一个脉络，透视的发现和发展经过了4个阶段。
一，短缩法的发现和运用
透视在没有被明确的提出之前被称为短缩法。最初发现短缩法是在比公元前500年稍早一些的一个希腊花瓶上。画的是辞行出征的战士，右脚仍然是继承了古埃及的“保险”画法，但是左脚已经是经过透视短缩了。我们看到5个脚趾好像一排五个小圆圈。也许这么小的一个发现不值得我们这么兴奋，但实际上这意味着古老的艺术已经死亡而被埋葬了。后来的希腊化时期和拜占庭时期的画中也出现过短缩法。当时的艺术家是把远处的东西画的很小，近处的东西画的很大。可是远处的物体有规律的缩小这条法则在古典文化时期还没有被采用。
二、短缩法再次被重视
乔托所画的《“信德”的拟人形象》中，我们看到了手臂的短缩法，脸部和颈部的明暗造型，流动的衣褶中深深的阴影。像这样的东西已经有1000多年之久完全不画了。乔托重新发现了在平面上造成深度错觉的艺术。
三、透视法的提出和应用
到了15世纪初期，布鲁内莱斯基发现了“透视法”。我们已经看到，尽管希腊人通晓短缩法、希腊化时期的画家精于造成景深的错觉感，但是连他们也不知道物体在离开我们远去时体积看起来缩小是遵循什么数学法则。马萨乔迅速掌握了这种透视手段并体现在画中。在他的《三位一体以及圣母、圣约翰和供养人》这幅壁画中，墙面好像被凿了一个洞。通过洞口人们可以窥视到里面的一座布鲁内莱斯基风格的新型葬仪礼拜堂。
到了15世纪后期，安杰利科修士的一幅《圣母领报》中，我们立刻可以看出透视技艺对他来说毫无困难。乌切洛更是全神贯注于透视研究之中。通过他所热爱的透视技艺试图构成一个真实的舞台，使他的人物在那个舞台上有立体感、有真实感。虽然乌切洛还没有学会怎样使用光线、明暗和大气来修润严格透视画法的刺目的轮廓。但他也体验到了透视法给他带来的新奇效果。
四、透视法的继承和发展
曼泰尼亚沿着马萨乔的路子走了下去。他的人物像马萨乔的人物那样动人，那样有雕塑感。曼泰尼亚意在使用透视法创造一个舞台，使他的人物好像立体实物一样站在上面活动。他好像一个高明的舞台监督那样，布列人物来表达这一瞬间的意义和事件的过程。
当然，对透视的探索仍在继续，只是艺术家遇到的问题更多的体现在其它方面了。《艺术的故事》这本书中涉及较少。希望以后能看更多的书籍，进一步总结透视发展的脉络。
儿童艺术家读书心得5
《艺术的故事》这是一本教人如何欣赏艺术的书。它看起来有4指厚，16开，文字紧凑但阅读舒适，画面精美，非铜版纸，是哑光的一种我不知道但常用的厚实纸张。版式朴素，简洁，封面看起来甚至不那么艺术，高兴的是它没有腰封，因为它完全不需要这种俗气装饰。
看起来很唬人很高大上是不是?有点，但，它真的很有料。艺术听起来不食人间烟火，但这本书就是让你可以用双手触碰得到那些高高在上的艺术品，让你知道它为什么这么做，它带来了什么影响。贡布里希写作此书并非用作教材或学术，而是为我等凡人所学习阅读，无论是茶余饭后书，是睡前枕边书，还是学习知识书，唯一不能成为的是口袋书或旅行书，因为它真的很重很重。我都是半躺着看，把它放在肚皮上的，肚皮上还要放个靠垫否则太低脖子很疲惫。
其实，我只是想说，你翻开了这本书，会感到双眼大开，你会惊奇地发现那些离我们遥远陌生诡异而面熟的世界，皆为有因有果。翻开这本书，开始艺术的探索(这么说丝毫不为过)。因为我记忆差，所以要做读书笔记。基本为各章节的概括总结、摘选。不知能坚持多久，书太厚了，但是能记多少算多少，算是个回顾。
人们对艺术品的评价，总习惯用简单的美或不美来表达。一幅天真孩童的画作，我们看到了细腻的皮肤，睁大的双眼，纯真可爱，我们不必追究画作的细节、技法就能轻易做出判断：这画很美。一幅老妇的肖像，皱纹满布，眼神浑浊，苍老干涩，我们第一反应是，它很丑。可是，等一下，如果我们可以撇开第一主观的感觉，细细地观察，会发现它描绘的老妇其实如此真实，皱纹、发丝刻画如此细腻，神情那么到位，因为你看到了它的沧桑感。那么，这难道不是一幅上好的画作吗?
(大多数喜欢在画中看到自己喜欢的场景、题材，这是自然的倾向)
(事实上，左右我们对一幅画的喜爱之情的往往是画面上某个人物的表现手法。)
当然，逼真不应该成为判断的唯一标准。一幅野兔子的画像真实再现了兔子的眼睛、胡子、皮毛，无疑，再加上专业的技法，这确实是一幅好作品。无论是细致的刻画，还是粗略的勾勒，这是都是真实地表达。但是，那些看起来不逼真的画作，难道就是不好的作品吗?
人们似乎对看起来不对的东西天生地排斥厌恶，尤其在现代艺术中。不过，没有人非议米老鼠这个非常规的老鼠，甚至喜爱有加。如果在看现代画展，那么情况就不同了，虽然米老鼠和乖张的小公鸡实属异曲同工，但是接受起来小公鸡没有那么容易。
(不管我们对现代艺术家的看法如何，我们都可以毫无保留地相信他们有足够的知识，完全能够画得“正确”。如果他们不那样画，其原因可能跟瓦尔特迪斯尼一样)。
(所以，如果我们看到一幅画画得不够正确，那么不要忘记有两个问题应该反躬自问。一个问题是，艺术家是否无端地更改了他所看见的事物的外形。另一个问题是，除非已经证明我们的看法正确而画家不对，否则就不能指责一幅画画得不正确)
(在欣赏伟大的艺术作品时，最大的障碍就是不肯摒弃陋习和偏见)。前人这么画的，那么就是这个样子，比如圣经。
我们认为艺术家为之焦虑的事情，一般是美的表现和美，但是真正困扰艺术家的是很难用语言表达的。所以一般谈论中的“艺术”都是非文字性的艺术，如果能用语言表达艺术那么这些画作雕塑等等似乎也没了存在的必要。艺术家们只追求一个听起来很简单的东西，合适。这“合适”似乎很难有个明确的度，但多一分少一分，一切都不一样了，就像做菜。艺术家们对着作品，寻找着自己认为的平衡，而这种平衡就是作品本身的平衡，当它传到到观众眼里，也同样差别在分毫间，也让我们觉得，它就应该是这个样子，最合适的。艺术家为了达到这样的平衡，练习自不必说，无数的改动、试验，看似就更改一个颜色、位置，加减一笔，但事实上是复杂而严肃的事情，而非随意随性。如果我们为他到底为什么要这样改，他也无法回答。
在艺术领域，确实有评论家归纳总结规则，但是事实证明，那些墨守成规的庸才画家们淹没在了历史潮流中。艺术家们在离经叛道的征途上获得前所未有的新的和谐。
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